Howard Roberts • Mr. Roberts Plays Guitar

Biography by Scott Yanow

Howard Roberts was a talented guitarist on the level of a Barney Kessel or Herb Ellis, who spent most of his career playing commercial music in the studios. Shortly after he moved to Los Angeles in 1950, Roberts was firmly established in the studios, although on occasion he recorded jazz (most notably twice for Verve during 1956-1959, a Concord session from 1977, and one for Discovery in 1979); however, most of his other output (particularly for Capitol in the 1960s) is of lesser interest. The co-founder of the Guitar Institute of Technology in Hollywood, Roberts was an enthusiastic and talented educator, and wrote a regular instructional column for Guitar Player.

https://www.allmusic.com/artist/howard-roberts-mn0000828507/biography

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Biografía de Scott Yanow

Howard Roberts fue un talentoso guitarrista a nivel de Barney Kessel o Herb Ellis, quien pasó la mayor parte de su carrera tocando música comercial en los estudios. Poco después de mudarse a Los Ángeles en 1950, Roberts se estableció firmemente en los estudios, aunque en ocasiones grabó jazz (especialmente dos veces para Verve durante 1956-1959, una sesión de Concord en 1977 y una para Discovery en 1979); sin embargo, la mayor parte de su otra producción (particularmente para Capitol en la década de 1960) es de menor interés. Roberts, el cofundador del Instituto de Tecnología de la Guitarra de Hollywood, era un educador entusiasta y talentoso, y escribió una columna de instrucción regular para el Guitar Player.

https://www.allmusic.com/artist/howard-roberts-mn0000828507/biography

 

 

Howard Roberts • Forever

Howard Roberts was born in Phoenix, Arizona in 1929. He began playing guitar at age 8 and by age 15 was playing gigs in and around the Phoenix area. In 1950 (at age 20) Howard decided to move to Los Angeles, and through hard work and the invaluable assistance of fellow guitarist/arranger-composer Jack Marshall, Howard met and began playing with some of L.A.'s very best musicians, including Bobby Troup, Chico Hamilton and Barney Kessel. This led to a job with Bobby Troup and circa 1956 to a solo recording contract with Verve Records. At around that same time as he signed with Verve, Howard decided to concentrate on recording/studio work - work that he would do nearly non- stop until the early 1970's.

Howard's studio career has to be one of the most prolific ever. He played rhythm guitar, lead guitar, bass and even mandolin on an incredible number of television and movie projects. He also backed jazz, pop, country and rock 'n roll artists, and was heard on thousands of records over his career.

But Howard wasn't just a first call studio musician. Beginning in the late 60's Howard's interest in studio work diminished. He began to travel and hold guitar seminars all around the country. Howard had a genuine talent for teaching and curriculum development, a talent he shared with his wife Patty. This interest/talent led to the founding of a school for guitarists: GIT (The Guitar Institute of Technology). He also established Playback Publishing and wrote several books as part of a structured guitar music curriculum. And if that wasn't enough, for several years Howard wrote a monthly column (”Jazz Improvisation”) for Guitar Player magazine.

Howard had already recorded under his own name on at least one other label (Verve Records) before he signed with Capitol Records. Prior to that (circa 1955) he recorded at least two records as part of pianist/song stylist Bobby Troup's band on the Bethlehem label. “Color Him Funky,” and “H.R. is a Dirty Guitar Player” are the first two albums Howard recorded for Capitol, and were recorded within a few months of each other in 1963. The outstanding rhythm section is the same on both dates - Chuck Berghofer on bass and Earl Palmer on drums. Paul Bryant and Burkley Kendrix are on organ.

Most of Howard Roberts' recordings through the years, particularly a long string for Capitol in the ‘60’s and into the ‘70’s were quite commercial, featuring brief versions of current pop tunes. He did some good work with The Magic Band on some live recordings at Donte’s in Los Angeles that showed hints of what he could do. A versatile studio player, Roberts finally had an opportunity in 1977 to record some no-nonsense, straight-ahead jazz. “The Real Howard Roberts,” was a stand out, with a good band behind him interpreting jazz standards.

Howard Roberts died June 28, 1992

Howard Roberts is a member of the prestigious Gibson Hall of Fame. His guitars, personally designed and marketed by Gibson, are the H.R. Custom, with is arch top and oval hole combining classic-acoustic and electric guitars, and the newer H.R. Fusion model.
Source: James Nadal
https://musicians.allaboutjazz.com/howardroberts

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Howard Roberts nació en Phoenix, Arizona, en 1929. Empezó a tocar la guitarra a los 8 años y a los 15 ya tocaba en conciertos en el área de Phoenix y sus alrededores. En 1950 (a la edad de 20 años) Howard decidió mudarse a Los Ángeles, y a través del trabajo duro y la inestimable ayuda de su compañero guitarrista/compositor Jack Marshall, Howard conoció y comenzó a tocar con algunos de los mejores músicos de Los Ángeles, incluyendo a Bobby Troup, Chico Hamilton y Barney Kessel. Esto llevó a un trabajo con Bobby Troup y hacia 1956 a un contrato de grabación en solitario con Verve Records. Al mismo tiempo que firmaba con Verve, Howard decidió concentrarse en el trabajo de grabación y estudio, trabajo que haría casi sin parar hasta principios de los 70.

La carrera de Howard en el estudio tiene que ser una de las más prolíficas de la historia. Tocó la guitarra rítmica, la guitarra solista, el bajo e incluso la mandolina en un número increíble de proyectos de televisión y cine. También apoyó a artistas de jazz, pop, country y rock 'n roll, y se le escuchó en miles de discos a lo largo de su carrera.

Pero Howard no era sólo un músico de estudio de primera llamada. A partir de finales de los 60, el interés de Howard por el trabajo en el estudio disminuyó. Empezó a viajar y a dar seminarios de guitarra por todo el país. Howard tenía un genuino talento para la enseñanza y el desarrollo de planes de estudio, un talento que compartía con su esposa Patty. Este interés/talento llevó a la fundación de una escuela para guitarristas: GIT (El Instituto Tecnológico de la Guitarra). También estableció Playback Publishing y escribió varios libros como parte de un currículo estructurado de música para guitarra. Y por si fuera poco, durante varios años Howard escribió una columna mensual ("Jazz Improvisation") para la revista Guitar Player.

Howard ya había grabado bajo su propio nombre en al menos otro sello (Verve Records) antes de firmar con Capitol Records. Antes de eso (alrededor de 1955) grabó al menos dos discos como parte de la banda del pianista y estilista de canciones Bobby Troup en el sello Bethlehem. "Color Him Funky" y "H.R. is a Dirty Guitar Player" son los dos primeros discos que Howard grabó para Capitol, y se grabaron con pocos meses de diferencia en 1963. La sección rítmica destacada es la misma en ambas fechas - Chuck Berghofer en el bajo y Earl Palmer en la batería. Paul Bryant y Burkley Kendrix están en el órgano.

La mayoría de las grabaciones de Howard Roberts a través de los años, en particular una larga cuerda para Capitol en los 60 y en los 70 fueron bastante comerciales, con breves versiones de temas pop actuales. Hizo un buen trabajo con The Magic Band en algunas grabaciones en vivo en Donte's en Los Ángeles que mostraban indicios de lo que podía hacer. Un versátil jugador de estudio, Roberts finalmente tuvo la oportunidad en 1977 de grabar algo de jazz sin tonterías. "El verdadero Howard Roberts", se destacó, con una buena banda detrás de él interpretando estándares de jazz.

Howard Roberts murió el 28 de junio de 1992

Howard Roberts es miembro del prestigioso Salón de la Fama de Gibson. Sus guitarras, personalmente diseñadas y comercializadas por Gibson, son las H.R. Custom, con su tapa arqueada y agujero ovalado que combina guitarras clásicas-acústicas y eléctricas, y el más reciente modelo H.R. Fusion.
Fuente: James Nadal
https://musicians.allaboutjazz.com/howardroberts

1956-1979, 50 songs special selection

 

 

 

Bob Keene Septet & Lex Golden Jazz Octet • Solo for Seven - The Lex Golden Jazz Octet in Hi-Fi

 

Description from Fresh Sound Records / Jazz Hot (by Michel Laplace):
When clarinettist Bob Keene led an 18-piece orchestra in 1951 it was billed as one of the greatest bands since Artie Shaw's. Shaw gave it his stamp of approval and considered Keene to be a worthy successor. However, Keene's fame was fleeting and he's since faded into obscurity. But members of his septet heard here, such as Pepper Adams, Red Norvo and Shelly Manne, still register strongly in the collective memory. Standards from the likes of Kern, Loesser and Arlen are rearranged by Jack Montrose and provide us with 11 compact, highly melodic tracks delivered in cool jazz and swing style. The average length of each clocks in at 2.7 minutes. There's nothing long-winded about Bob Keene!

Prior to the recording of In Hi-Fi, trumpeter Lex Golden was all but unknown outside Los Angeles where he led dance bands in the city's nightspots. Golden peut swinguer ("Flip-Top"). Abe Most (1920-2002), Gene Cipriano (born 1929) and Lester Pinter form a saxophone section heavily influenced by Woody Herman's ("I Wished on the Moon"). Clarence E. Pete Carpenter (1914-1987) is a good trombonist and arranger ("Llama's Mama", "Mule Train", "Lot's O' Lex"). Cipriano and Pinter, both equally Lester Young-influenced, take solos in "Jeepers Creepers."
https://www.freshsoundrecords.com/bob-keene-lex-golden-albums/54012-solo-for-seven-the-lex-golden-jazz-octet-in-hi-fi-2-lp-on-1-cd.html

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Descripcion de Fresh Sound Records / Jazz Hot (por Michel Laplace):
Cuando el clarinetista Bob Keene dirigio una orquesta de 18 piezas en 1951, fue presentada como una de las mejores bandas desde la de Artie Shaw. Shaw le dio su sello de aprobacion y considero a Keene como un sucesor digno. Sin embargo, la fama de Keene fue efimera y desde entonces ha caido en el olvido. Pero los miembros de su septeto aqui escuchados, como Pepper Adams, Red Norvo y Shelly Manne, aun resuenan fuertemente en la memoria colectiva. Los standards de compositores como Kern, Loesser y Arlen son reorganizados por Jack Montrose y nos ofrecen 11 temas compactos y altamente melodicos entregados en estilo cool jazz y swing. La duracion media de cada uno ronda los 2.7 minutos. No hay nada prolijo en Bob Keene!

Antes de la grabacion de In Hi-Fi, el trompetista Lex Golden era practicamente desconocido fuera de Los Angeles, donde dirigia bandas de baile en los locales nocturnos de la ciudad. Golden sabe swingear ("Flip-Top"). Abe Most (1920-2002), Gene Cipriano (nacido en 1929) y Lester Pinter forman una seccion de saxofones muy influenciada por la de Woody Herman ("I Wished on the Moon"). Clarence E. Pete Carpenter (1914-1987) es un buen trombonista y arreglista ("Llama's Mama", "Mule Train", "Lot's O' Lex"). Cipriano y Pinter, ambos igualmente influenciados por Lester Young, intervienen en solitario en "Jeepers Creepers."
https://www.freshsoundrecords.com/bob-keene-lex-golden-albums/54012-solo-for-seven-the-lex-golden-jazz-octet-in-hi-fi-2-lp-on-1-cd.html

freshsoundrecords.com ...

Astrud Gilberto • The Astrud Gilberto Album

 

Review by John Bush
Astrud Gilberto became an accidental success when her fragile command of English made her the de facto choice to sing "The Girl from Ipanema" at a session led by Stan Getz and her husband, João Gilberto. Of course, despite its overwhelming success, it wasn't clear that she could sustain a career when she recorded her first solo LP, The Astrud Gilberto Album. She had sounded more like an amateurish novelty act than a recording professional, her voice was sweet but fragile, and the Getz/Gilberto album had featured two strong voices, with Gilberto herself an afterthought (albeit a commercially effective afterthought). But The Astrud Gilberto Album was at least as good as Getz/Gilberto (despite what jazz fans say), for several reasons. The Brazilian repertoire plays particularly well to traditionally weak vocalists, her voice was yet more sweet than had been heard previously, and as before, the record featured two strong leaders -- arranger Marty Paich and the incomparable Antonio Carlos Jobim. Paich's strings positively coated the album with radiance, and his choices for lead instrumental voices -- Bud Shank's flute, João Donato's piano, Jobim's guitar -- complemented her vocals perfectly. Gilberto sounded beautiful on a range of material, from the sentimental "Dindi" to the playful "Agua de Beber," and as long as intelligent musicians were playing to her strengths (as they do here), the results were splendid.

 

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Reseña de John Bush
Astrud Gilberto se convirtió en un éxito accidental cuando su frágil dominio del inglés la convirtió en la elección de facto para cantar "The Girl from Ipanema" en una sesión dirigida por Stan Getz y su marido, João Gilberto. Por supuesto, a pesar de su abrumador éxito, no estaba claro que pudiera mantener una carrera cuando grabó su primer LP en solitario, The Astrud Gilberto Album. Había sonado más como un acto de novedad amateur que como una profesional de la grabación, su voz era dulce pero frágil, y el álbum Getz/Gilberto había presentado dos voces fuertes, con Gilberto en sí mismo una idea de último momento (aunque una idea de último momento comercialmente efectiva). Pero The Astrud Gilberto Album era al menos tan bueno como Getz/Gilberto (a pesar de lo que digan los aficionados al jazz), por varias razones. El repertorio brasileño se adapta especialmente bien a los vocalistas tradicionalmente débiles, su voz era aún más dulce de lo que se había escuchado anteriormente y, como antes, el disco contaba con dos fuertes líderes: el arreglista Marty Paich y el incomparable Antonio Carlos Jobim. Las cuerdas de Paich cubrieron positivamente el álbum con resplandor, y sus elecciones para las voces instrumentales principales -- la flauta de Bud Shank, el piano de João Donato, la guitarra de Jobim -- complementaron su voz perfectamente. Gilberto sonó muy bien en toda la gama de material, desde la sentimental "Dindi" hasta la juguetona "Agua de Beber", y siempre que los músicos inteligentes se adaptaran a sus puntos fuertes (como hacen aquí), los resultados fueron espléndidos.

Marty Paich • The Rock-Jazz Incident

 

Review

The title The Rock-Jazz Incident tends to suggest something strange or disastrous occurred during the recording of this album, which is hardly the case, though this set from arranger and bandleader Marty Paich ends up having only so much to do with either rock or jazz. On The Rock-Jazz Incident, Paich takes a handful of well-known pop tunes of the day (which in this case was 1966) along with a few originals and dresses them up with contemporary big-band arrangements, dominated by horns, keyboards, and a tight, well-mannered rhythm section. While Paich was a respected figure in West Coast jazz with an impressive résumé, these sessions have more of a middle-of-the-road feel, lacking the élan and sense of adventure of his best work; this often sounds more like a film or television score than anything else, through Paich and his accompanists deliver strong, muscular work on these 11 cuts and their take on numbers like "Call Me," "It's Not Unusual," "Promise Her Anything," and "Watermelon Man" is gently idiosyncratic and entertaining. The real oddity is a honking sax workout on "Yesterday" that makes Paul McCartney's tale of lost love sound like something Ace Cannon cut on his lunch hour, but most of the pop numbers survive the transition quite well, and originals like "The Proud Camel" and "Gotta Go" reveal just a bit more swing, and on these selections Paich gives his musicians a little more room to color the surroundings. Anyone expecting a meeting of the minds between rock and jazz is going to be awfully disappointed with this album, but Paich does turn in 29 minutes of intelligent, well-crafted pop music that nods to both genres without ever taking sides, and it's an amusing curiosity in his catalog.

by Mark Deming

https://www.allmusic.com/album/the-rock-jazz-incident-mw0002029546

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Reseña

El título The Rock-Jazz Incident tiende a sugerir que algo extraño o desastroso ocurrió durante la grabación de este álbum, lo cual no es el caso, aunque este conjunto del arreglista y director de la banda Marty Paich termina teniendo poco que ver con el rock o el jazz. En The Rock-Jazz Incident, Paich toma un puñado de canciones pop muy conocidas de la época (que en este caso fue 1966) junto con algunos originales y las viste con arreglos contemporáneos de big-band, dominados por trompetas, teclados y una sección rítmica ajustada y bien educada. Aunque Paich era una figura respetada en el jazz de la costa oeste con un currículum impresionante, estas sesiones tienen más bien un aire de medio camino, carente del ímpetu y el sentido de la aventura de su mejor trabajo; esto a menudo suena más como una partitura de cine o televisión que otra cosa, a través de Paich y sus acompañantes entregan un trabajo fuerte y musculoso en estos 11 cortes y su toma de números como "Call Me", "It's Not Unusual", "Promise Her Anything" y "Watermelon Man" es suavemente idiosincrásico y entretenido. La verdadera rareza es un entrenamiento de saxo en "Yesterday" que hace que el cuento de amor perdido de Paul McCartney suene como algo que Ace Cannon cortó en su hora de almuerzo, pero la mayoría de los números pop sobreviven bastante bien a la transición, y los originales como "The Proud Camel" y "Gotta Go" revelan un poco más de swing, y en estas selecciones Paich da a sus músicos un poco más de espacio para colorear el entorno. Cualquiera que espere un encuentro de las mentes entre el rock y el jazz va a estar muy decepcionado con este álbum, pero Paich sí que convierte en 29 minutos de música pop inteligente y bien hecha que asiente a ambos géneros sin tomar partido, y es una curiosidad divertida en su catálogo.

por Mark Deming
https://www.allmusic.com/album/the-rock-jazz-incident-mw0002029546

Marty Paich & His Jazz Piano Quartet • Take Me Along

 

Dave Pell Octet • The Dave Pell Octet Plays Again

 

Review from AllMusic (by Scott Yanow):
The first recording by the Dave Pell octet since the early 1960s finds the veteran tenor saxophonist (who had been working in the interim as a producer and a studio musician) using a completely different personnel than in the early days. Pell and his Los Angeles group (trumpeter Bill Berry, trombonist Bill Watrous, baritonist Med Flory, guitarist Tony Rizzi, pianist Bob Florence, bassist Buddy Clark, and drummer Frank Capp) are featured mostly on updated arrangements. The classic cool jazz sound is revived throughout this CD which includes such numbers as "Tishomingo Blues," "Can't We Be Friends," "There'll Be Some Changes Made," and "Mountain Greenery." The charts were provided by Marty Paich, John Williams, Bob Florence, Shorty Rogers, and Bill Holman. Fortunately Dave Pell has since been working on a regular basis with a new version of his octet; this CD was the start.
https://www.allmusic.com/album/dave-pell-octet-plays-again-mw0000432204

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Reseña de AllMusic (por Scott Yanow):
La primera grabación del octeto de Dave Pell desde principios de la década de 1960 encuentra al veterano saxofonista tenor (que había estado trabajando en el ínterin como productor y músico de estudio) usando un personal completamente diferente al de los primeros días. Pell y su grupo de Los Ángeles (el trompetista Bill Berry, el trombonista Bill Watrous, el baritonista Med Flory, el guitarrista Tony Rizzi, el pianista Bob Florence, el bajista Buddy Clark y el baterista Frank Capp) aparecen principalmente en arreglos actualizados. El sonido clásico del cool jazz se revive a lo largo de este CD que incluye números como "Tishomingo Blues", "Can't We Be Friends", "There'll Be Some Changes Made" y "Mountain Greenery". Los arreglos fueron proporcionados por Marty Paich, John Williams, Bob Florence, Shorty Rogers y Bill Holman. Afortunadamente, Dave Pell ha estado trabajando desde entonces de manera regular con una nueva versión de su octeto; este CD fue el comienzo.
https://www.allmusic.com/album/dave-pell-octet-plays-again-mw0000432204

Dave Pell • A Pell Of A Time

 

Biography by Richard S. Ginell
Dave Pell started out touring with the Tony Pastor, Bob Astor, and Bobby Sherwood bands as a teenager, before moving to California in the mid-'40s. He found work with Bob Crosby on the latter's Ford radio show in 1946, then played with the Les Brown band from 1947 to 1955. Drawing from the ranks of the Brown band, he began leading his own groups in 1953, usually in an octet format, augmented by guests like Pepper Adams, Benny Carter, Mel Lewis, Red Mitchell, Marty Paich, and Art Pepper. He also played as a sideman on records by Shorty Rogers, Pete Rugolo, Benny Goodman, and Gene Krupa in the 1950s, while recording under his own name for Atlantic, Kapp, Coral, Capitol, and RCA Victor. His primary focus of activity in the 1950s and '60s was in the record business, working as a producer for the budget Tops label in the '50s, and Liberty (where he supervised a few hit pop/rock records for Gary Lewis & the Playboys) and briefly Uni in the '60s. He formed a group in the late '70s called Prez Conference, a variation on the theme of Supersax, as a tribute to Lester Young, recording two albums for GNP/Crescendo. In the '80s and '90s, Pell revived his octet for recordings on the Fresh Sound (1984) and Headfirst (1988) labels, and sporadic live dates in the Los Angeles area, including an appearance at the Jazz West Coast festival in 1994.
https://www.allmusic.com/artist/dave-pell-mn0000690700/biography

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Biografía de Richard S. Ginell
Dave Pell empezó a hacer giras con las bandas de Tony Pastor, Bob Astor y Bobby Sherwood cuando era adolescente, antes de mudarse a California a mediados de los 40. Encontró trabajo con Bob Crosby en el programa de radio de este último en 1946, y luego tocó con la banda de Les Brown de 1947 a 1955. Procedente de las filas de la banda Brown, comenzó a liderar sus propios grupos en 1953, normalmente en formato de octeto, aumentado por invitados como Pepper Adams, Benny Carter, Mel Lewis, Red Mitchell, Marty Paich y Art Pepper. También tocó como sideman en discos de Shorty Rogers, Pete Rugolo, Benny Goodman y Gene Krupa en los años 50, mientras grababa bajo su propio nombre para Atlantic, Kapp, Coral, Capitol y RCA Victor. Su principal actividad en los años 50 y 60 fue en el negocio de los discos, trabajando como productor para el sello Tops en los años 50, y Liberty (donde supervisó algunos éxitos de pop/rock para Gary Lewis & the Playboys) y brevemente Uni en los 60. Formó un grupo a finales de los 70 llamado Prez Conference, una variación del tema de Supersax, como tributo a Lester Young, grabando dos álbumes para GNP/Crescendo. En los años 80 y 90, Pell revivió su octeto para grabaciones en los sellos Fresh Sound (1984) y Headfirst (1988), y fechas esporádicas en vivo en el área de Los Ángeles, incluyendo una aparición en el festival Jazz West Coast en 1994.
https://www.allmusic.com/artist/dave-pell-mn0000690700/biography

 

John Graas • Jazz Studio 1-2 Complete Sessions

 

Biography
by Scott Yanow
Along with Julius Watkins, John Graas was one of the first jazz French horn soloists. After playing some classical music, in 1942 he became a member of the Claude Thornhill Orchestra. A period in the Army (1942-1945) and stints with the Cleveland Orchestra and Tex Beneke's big band preceded Graas' first high-profile gig, playing with Stan Kenton's Innovations Orchestra (1950-1951). After leaving Kenton, he settled in Los Angeles and worked as a studio musician in addition to being used on West Coast jazz dates by Shorty Rogers and others. Graas, an excellent composer who sought to combine together jazz and classical music (predating the third stream movement), recorded fairly regularly as a leader during 1953-1958, sessions that (with the exception of one V.S.O.P. release) have not been reissued. He died of a heart attack at the age of 45.
https://www.allmusic.com/artist/john-graas-mn0000219637/biography

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Biografía
por Scott Yanow
Junto con Julius Watkins, John Graas fue uno de los primeros solistas de trompa de jazz. Tras tocar algo de música clásica, en 1942 pasó a formar parte de la Orquesta de Claude Thornhill. Tras un periodo en el ejército (1942-1945) y una serie de colaboraciones con la Orquesta de Cleveland y la big band de Tex Beneke, Graas tuvo su primera actuación destacada en la Innovations Orchestra de Stan Kenton (1950-1951). Tras dejar a Kenton, se instaló en Los Ángeles y trabajó como músico de estudio, además de ser utilizado en fechas de jazz de la Costa Oeste por Shorty Rogers y otros. Graas, un excelente compositor que buscaba combinar el jazz y la música clásica (antes del movimiento de la tercera corriente), grabó con bastante regularidad como líder durante 1953-1958, sesiones que (con la excepción de un lanzamiento de V.S.O.P.) no han sido reeditadas. Murió de un ataque al corazón a la edad de 45 años.
https://www.allmusic.com/artist/john-graas-mn0000219637/biography

Al Hirt • Trumpet and Strings

 

 

 

Bobby Enevoldsen • Smorgasbord

 

Biography by Jason Ankeny
A longtime giant of the West Coast jazz landscape, Bob Enevoldsen trailed only Bob Brookmeyer as his generation's foremost practictioner of the valve trombone. Enevoldsen was born September 11, 1920, in Billings, MT. His Danish-born father was a professional violinist who conducted the orchestra at their local silent movie theater, and at age five Bob took up the instrument as well before moving to trombone several years later. Recurring lip troubles forced him to switch to clarinet and tenor saxophone while a student at the University of Montana, and he also adopted the double bass prior to joining the U.S. Air Force in 1942. Stationed in Utah, Enevoldsen settled in Salt Lake City following his 1946 military discharge, working as a tenor saxophonist until a colleague lent him a valve trombone. He found the fingering remarkably similar to the trumpet, but the instrument remained on the periphery of his vision after he joined the Utah Symphony as a clarinetist. On the advice of arranger Gene Roland, Enevoldsen relocated to Los Angeles in 1951, and began sitting in at local jazz clubs. As a skilled multi-instrumentalist, his fellow musicians embraced him with open arms and he soon signed on as the regular bassist with pianist Marty Paich's trio. Stints supporting Art Pepper and Shorty Rogers followed, and over time Enevoldsen made the valve trombone his instrument of choice, alternating between tenor sax during a lengthy run behind Shelly Manne at the legendary L.A. nightclub the Lighthouse. In 1954 Enevoldsen cut his first session as a bandleader for a self-titled LP on the Nocturne label. He later headlined dates for Tampa and Liberty as well, and even appeared in a pair of feature films, 1958's The Form of Jazz and the much-maligned 1960 adaptation of the Jack Kerouac novel The Subterraneans. By the time of the latter's release Enevoldsen was living in Las Vegas, working in nightclubs there. He returned to L.A. in 1962 as a staff arranger and studio musician for television star Steve Allen, and spent the remainder of the decade focused almost exclusively on session work. During the 1970s he finally returned to live performance, replacing Brookmeyer in Gerry Mulligan's band before rejoining Paich in support of singer Mel Tormé. He also played in big bands led by Bill Holman and Roger Neumann, and continued performing in small-group settings until just weeks prior to his death from circulation problems on November 19, 2005.
https://www.allmusic.com/artist/bob-enevoldsen-mn0000763322#biography

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Biografía de Jason Ankeny
Bob Enevoldsen, un gigante del jazz de la Costa Oeste, sólo superado por Bob Brookmeyer como el trombonista de válvulas más importante de su generación. Enevoldsen nació el 11 de septiembre de 1920 en Billings, MT. Su padre, de origen danés, era violinista profesional y dirigía la orquesta del cine mudo de su localidad. A los cinco años, Bob empezó a tocar el instrumento antes de pasarse al trombón varios años más tarde. Sus recurrentes problemas de labio le obligaron a cambiar al clarinete y al saxofón tenor cuando estudiaba en la Universidad de Montana, y también adoptó el contrabajo antes de alistarse en las Fuerzas Aéreas de EE.UU. en 1942. Destinado a Utah, Enevoldsen se instaló en Salt Lake City tras su licenciamiento militar en 1946, trabajando como saxofonista tenor hasta que un colega le prestó un trombón de válvulas. La digitación le pareció muy similar a la de la trompeta, pero el instrumento permaneció en la periferia de su visión después de incorporarse a la Sinfónica de Utah como clarinetista. Aconsejado por el arreglista Gene Roland, Enevoldsen se trasladó a Los Ángeles en 1951 y empezó a tocar en clubes de jazz locales. Como hábil multiinstrumentista, sus compañeros le acogieron con los brazos abiertos y pronto firmó como bajista habitual del trío del pianista Marty Paich. Siguieron temporadas como telonero de Art Pepper y Shorty Rogers, y con el tiempo Enevoldsen hizo del trombón de válvulas su instrumento preferido, alternándolo con el saxo tenor durante una larga temporada detrás de Shelly Manne en el legendario club nocturno de Los Ángeles Lighthouse. En 1954, Enevoldsen grabó su primera sesión como director de orquesta para un LP autotitulado en el sello Nocturne. Más tarde fue cabeza de cartel de Tampa y Liberty, e incluso apareció en un par de películas, The Form of Jazz (1958) y la denostada adaptación de 1960 de la novela de Jack Kerouac The Subterraneans. Cuando se estrenó esta última, Enevoldsen vivía en Las Vegas y trabajaba en clubes nocturnos. Regresó a Los Ángeles en 1962 como arreglista y músico de estudio para la estrella de la televisión Steve Allen, y pasó el resto de la década centrado casi exclusivamente en trabajos de sesión. En la década de 1970 volvió por fin a tocar en directo, sustituyendo a Brookmeyer en la banda de Gerry Mulligan antes de volver a unirse a Paich como telonero del cantante Mel Tormé. También tocó en grandes bandas dirigidas por Bill Holman y Roger Neumann, y siguió actuando en pequeños grupos hasta pocas semanas antes de su muerte por problemas circulatorios el 19 de noviembre de 2005.
https://www.allmusic.com/artist/bob-enevoldsen-mn0000763322#biography

Russ Garcia • Four Horns And A Lush Life

 

Review
by Ken Dryden
Russ Garcia was a popular arranger in the mid-'50s, often working with some of the best jazz artists of the day. On this session for Bethlehem, he conducts an octet with four trombonists (including Maynard Ferguson, Frank Rosolino, Herbie Harper and Tommy Pederson), plus baritone saxophonist Dick Houlgate, pianist Marty Paich, bassist Red Mitchell and drummer Stan Levey. Most of Garcia's cool arrangements are of standards, while his "I'll Never Forget What's Her Name (The Lo-est)" is a barely disguised reworking of the chord changes to "Fine and Dandy." Obviously, the trombonists are the primary focus of the solos, though Paich, Houlgate and Mitchell get a chance to get in a few licks of their own. Garcia's use of a trombone choir is very effective in the warm treatment of "Lush Life" and a cooking "What Is This Thing Called Love."
https://www.allmusic.com/album/four-horns-and-a-lush-life-mw0000866746

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Reseña
por Ken Dryden
Russ Garcia fue un arreglista muy popular a mediados de los 50, trabajando a menudo con algunos de los mejores artistas de jazz de la época. En esta sesión para Bethlehem, dirige un octeto con cuatro trombonistas (entre ellos Maynard Ferguson, Frank Rosolino, Herbie Harper y Tommy Pederson), además del saxofonista barítono Dick Houlgate, el pianista Marty Paich, el bajista Red Mitchell y el batería Stan Levey. La mayoría de los geniales arreglos de García son de estándares, mientras que su "I'll Never Forget What's Her Name (The Lo-est)" es una reelaboración apenas disimulada de los cambios de acordes de "Fine and Dandy". Obviamente, los trombonistas son el foco principal de los solos, aunque Paich, Houlgate y Mitchell tienen la oportunidad de hacer algunos licks por su cuenta. El uso que hace García de un coro de trombones es muy efectivo en el cálido tratamiento de "Lush Life" y en un cocinado "What Is This Thing Called Love".
https://www.allmusic.com/album/four-horns-and-a-lush-life-mw0000866746

Al Hirt • That Honey Horn Sound

Al Hirt • Greatest Hits

Bob Enevoldsen Quintet • Bob Enevoldsen Quintet

 

Biography
by Jason Ankeny
A longtime giant of the West Coast jazz landscape, Bob Enevoldsen trailed only Bob Brookmeyer as his generation's foremost practictioner of the valve trombone. Enevoldsen was born September 11, 1920, in Billings, MT. His Danish-born father was a professional violinist who conducted the orchestra at their local silent movie theater, and at age five Bob took up the instrument as well before moving to trombone several years later. Recurring lip troubles forced him to switch to clarinet and tenor saxophone while a student at the University of Montana, and he also adopted the double bass prior to joining the U.S. Air Force in 1942. Stationed in Utah, Enevoldsen settled in Salt Lake City following his 1946 military discharge, working as a tenor saxophonist until a colleague lent him a valve trombone. He found the fingering remarkably similar to the trumpet, but the instrument remained on the periphery of his vision after he joined the Utah Symphony as a clarinetist. On the advice of arranger Gene Roland, Enevoldsen relocated to Los Angeles in 1951, and began sitting in at local jazz clubs. As a skilled multi-instrumentalist, his fellow musicians embraced him with open arms and he soon signed on as the regular bassist with pianist Marty Paich's trio. Stints supporting Art Pepper and Shorty Rogers followed, and over time Enevoldsen made the valve trombone his instrument of choice, alternating between tenor sax during a lengthy run behind Shelly Manne at the legendary L.A. nightclub the Lighthouse. In 1954 Enevoldsen cut his first session as a bandleader for a self-titled LP on the Nocturne label. He later headlined dates for Tampa and Liberty as well, and even appeared in a pair of feature films, 1958's The Form of Jazz and the much-maligned 1960 adaptation of the Jack Kerouac novel The Subterraneans. By the time of the latter's release Enevoldsen was living in Las Vegas, working in nightclubs there. He returned to L.A. in 1962 as a staff arranger and studio musician for television star Steve Allen, and spent the remainder of the decade focused almost exclusively on session work. During the 1970s he finally returned to live performance, replacing Brookmeyer in Gerry Mulligan's band before rejoining Paich in support of singer Mel Tormé. He also played in big bands led by Bill Holman and Roger Neumann, and continued performing in small-group settings until just weeks prior to his death from circulation problems on November 19, 2005.
https://www.allmusic.com/artist/bob-enevoldsen-mn0000763322/biography

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Biografía
por Jason Ankeny
Bob Enevoldsen, un gigante del paisaje del jazz de la Costa Oeste desde hace mucho tiempo, solo superado por Bob Brookmeyer como el más importante practicante del trombón de válvulas de su generación. Enevoldsen nació el 11 de septiembre de 1920 en Billings, MT. Su padre, de origen danés, era un violinista profesional que dirigía la orquesta de su cine mudo local, y a los cinco años Bob también tomó el instrumento antes de pasar al trombón varios años después. Los problemas recurrentes con los labios le obligaron a cambiar al clarinete y al saxofón tenor mientras estudiaba en la Universidad de Montana, y también adoptó el contrabajo antes de alistarse en las Fuerzas Aéreas de EE.UU. en 1942. Destinado a Utah, Enevoldsen se instaló en Salt Lake City tras su licenciamiento militar en 1946, trabajando como saxofonista tenor hasta que un colega le prestó un trombón de válvulas. Encontró que la digitación era muy similar a la de la trompeta, pero el instrumento permaneció en la periferia de su visión después de unirse a la Sinfónica de Utah como clarinetista. Siguiendo el consejo del arreglista Gene Roland, Enevoldsen se trasladó a Los Ángeles en 1951 y comenzó a participar en los clubes de jazz locales. Como hábil multiinstrumentista, sus compañeros le acogieron con los brazos abiertos y pronto firmó como bajista habitual del trío del pianista Marty Paich. Siguieron temporadas de apoyo a Art Pepper y Shorty Rogers, y con el tiempo Enevoldsen hizo del trombón de válvulas su instrumento preferido, alternando con el saxo tenor durante una larga temporada detrás de Shelly Manne en el legendario club nocturno de Los Ángeles Lighthouse. En 1954, Enevoldsen grabó su primera sesión como director de banda para un LP autotitulado en el sello Nocturne. Más tarde, encabezó fechas para Tampa y Liberty, e incluso apareció en un par de películas, The Form of Jazz, de 1958, y la muy denostada adaptación de 1960 de la novela de Jack Kerouac The Subterraneans. Cuando se estrenó esta última, Enevoldsen vivía en Las Vegas y trabajaba en clubes nocturnos. Volvió a Los Ángeles en 1962 como arreglista y músico de estudio para la estrella de la televisión Steve Allen, y pasó el resto de la década centrado casi exclusivamente en trabajos de sesión. Durante la década de 1970 volvió finalmente a la actuación en directo, sustituyendo a Brookmeyer en la banda de Gerry Mulligan antes de volver a unirse a Paich como telonero del cantante Mel Tormé. También tocó en grandes bandas dirigidas por Bill Holman y Roger Neumann, y siguió actuando en grupos pequeños hasta pocas semanas antes de su muerte por problemas de circulación el 19 de noviembre de 2005.
https://www.allmusic.com/artist/bob-enevoldsen-mn0000763322/biography

Al Hirt • ''Red Roses For A Blue Lady''

John Graas • Jazz Studio Two

 

Biography
by Scott Yanow
Along with Julius Watkins, John Graas was one of the first jazz French horn soloists. After playing some classical music, in 1942 he became a member of the Claude Thornhill Orchestra. A period in the Army (1942-1945) and stints with the Cleveland Orchestra and Tex Beneke's big band preceded Graas' first high-profile gig, playing with Stan Kenton's Innovations Orchestra (1950-1951). After leaving Kenton, he settled in Los Angeles and worked as a studio musician in addition to being used on West Coast jazz dates by Shorty Rogers and others. Graas, an excellent composer who sought to combine together jazz and classical music (predating the third stream movement), recorded fairly regularly as a leader during 1953-1958, sessions that (with the exception of one V.S.O.P. release) have not been reissued. He died of a heart attack at the age of 45.
https://www.allmusic.com/artist/john-graas-mn0000219637/biography

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Biografía
por Scott Yanow
Junto con Julius Watkins, John Graas fue uno de los primeros solistas de trompa de jazz. Tras tocar algo de música clásica, en 1942 pasó a formar parte de la Orquesta de Claude Thornhill. Tras un periodo en el ejército (1942-1945) y una serie de colaboraciones con la Orquesta de Cleveland y la big band de Tex Beneke, Graas tuvo su primera actuación destacada en la Innovations Orchestra de Stan Kenton (1950-1951). Tras dejar a Kenton, se instaló en Los Ángeles y trabajó como músico de estudio, además de ser utilizado en fechas de jazz de la Costa Oeste por Shorty Rogers y otros. Graas, un excelente compositor que buscaba combinar el jazz y la música clásica (antes del movimiento de la tercera corriente), grabó con bastante regularidad como líder durante 1953-1958, sesiones que (con la excepción de un lanzamiento de V.S.O.P.) no han sido reeditadas. Murió de un ataque al corazón a la edad de 45 años.
https://www.allmusic.com/artist/john-graas-mn0000219637/biography

Ray Brown • Bass Hit!

 

VA • The Cool Scene - Twelve New Ways To Fly

Review
by Thom Jurek
Despite its title, The Cool Scene at Cafe Bizarre: Twelve New Ways to Fly is one of the more unusual retrospective compilations to be issued in the 21st century. The Cafe Bizarre may have become truly infamous in the late 1960s as an East Village haven for radicals and psychedelic experimenting philosophers. That said, in the later '50s and early '60s it was also a cathedral for the Beat writers and various elements of the jazz scene. This collection features poets reading their works as well musical selections by the Cafe's more famous patrons from the jazz world: Charlie Parker, Lennie Tristano, Roy Eldridge, Gerry Mulligan, Chico Hamilton, and even George Shearing. Most of the poetry on this set is by long-faded personas we never knew, and sounds like it: nostalgic yet reverent and intense imitations of works by their more well-known forebears. In other words, the works of the Mad Monk, Ellie Girl with Seven Beat Sulks, Ringo Angel (who sounds like a professor and might have even become one), Felix Lupus, Stevenson Phillips, and Jamaica Johnny Cayonne are here for either nostalgia or ridicule, but they contain a certain innocence that long ago died in America. There are other musical selections as well, and all of it adds up to a curiosity piece for those obsessed with history or the dregs of Beat-era poetry.
https://www.allmusic.com/album/cool-scene-from-cafe-bizarre-mw0001973892

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Reseña:
por Thom Jurek
A pesar de su título, The Cool Scene at Cafe Bizarre: Twelve New Ways to Fly es una de las recopilaciones retrospectivas más inusuales que se han publicado en el siglo XXI. Puede que el Cafe Bizarre se hiciera verdaderamente infame a finales de los 60 como refugio de radicales y filósofos experimentadores psicodélicos del East Village. Sin embargo, a finales de los 50 y principios de los 60 también fue una catedral para los escritores Beat y varios elementos de la escena del jazz. Esta colección presenta a poetas que leen sus obras, así como selecciones musicales de los patrones más famosos del mundo del jazz: Charlie Parker, Lennie Tristano, Roy Eldridge, Gerry Mulligan, Chico Hamilton e incluso George Shearing. La mayor parte de la poesía de este conjunto es de personajes desaparecidos hace mucho tiempo que nunca conocimos, y suena como tal: imitaciones nostálgicas pero reverentes e intensas de obras de sus antepasados más conocidos. En otras palabras, las obras del Monje Loco, Ellie Girl with Seven Beat Sulks, Ringo Angel (que suena como un profesor e incluso podría haberse convertido en uno), Felix Lupus, Stevenson Phillips y Jamaica Johnny Cayonne están aquí para la nostalgia o el ridículo, pero contienen una cierta inocencia que hace tiempo murió en América. También hay otras selecciones musicales, y todo ello se suma a una pieza de curiosidad para los obsesionados con la historia o los posos de la poesía de la era Beat.
https://www.allmusic.com/album/cool-scene-from-cafe-bizarre-mw0001973892

 

 

 

Jimmy Giuffre, Bob Cooper, Harry Klee, Bob Enevoldsen With The Marty Paich Octet • Tenors West